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Venerd\u00ec 5 \u2013 sabato 6 \u2013 domenica 7 dicembre 2008<\/b><\/span><\/p>\n Primo appuntamento<\/b><\/p>\n SEMINARIO \u201cIL CENTRO DEL DISCORSO\u201d<\/b><\/p>\n Partire da un punto di vista individuale messo a disposizione degli altri \u00e8 un buon modo per comunicare, aprire un dialogo che vorrebbe portare a comuni intenti approfittando di un ventaglio di punti di vista ed esperienze diverse.<\/p>\n Per questo INDUMA TEATRO, promotore, insieme alle Manifatture Knos, del Premio di Drammaturgia Contemporanea \u201cIL CENTRO DEL DISCORSO\u201d, ha sollecitato l\u2019invio di contributi scritti, da parte dei partecipanti al seminario, da inviare anticipatamente, come punto di partenza utile alla discussione<\/p>\n CONTRIBUTI DI:<\/p>\n Arturo Cirillo<\/p>\n Andrea Porcheddu<\/p>\n Antonio Tarantino<\/p>\n Clarissa Veronico<\/p>\n Fabrizio Parenti<\/p>\n Francesco Farina<\/p>\n Luca Ricci<\/p>\n Manuela Cherubini<\/p>\n Maria Luisa Mastrogiovanni<\/p>\n Massimiliano Civica<\/p>\n Nicola Viesti<\/p>\n Paolo Musio<\/p>\n Pietro Minniti<\/p>\n Renzo Martinelli<\/p>\n Roberto Corradino<\/p>\n Roberto Ricco<\/p>\n Sonia Antinori<\/p>\n Katharina Trabert<\/p>\n \u201cIL CENTRO DEL DISCORSO\u201d<\/b><\/span><\/p>\n Di<\/span> Arturo Cirillo<\/i><\/span><\/p>\n Caro Werner,<\/p>\n mi chiedi qualcosa di scritto per il vostro incontro di venerd\u00ec legato al premio di drammaturgia <\/span>Il centro del discorso<\/i><\/span>. Io, come tu sai bene, faccio un teatro che ha al centro la drammaturgia e la parola, pur credendo nello stesso tempo che esse siano, entrambe, legate profondamente al corpo. Parlerei di una fisicit\u00e0 del testo, cio\u00e8 quella capacit\u00e0 di sottintendere un\u2019azione, e di pensare alla parola come a qualcosa che dovr\u00e0 diventare suono e fiato.<\/span><\/p>\n Questo per dire che sarebbe forse utile capire cosa sia un buon testo per il teatro, come nasce e come possa vivere.<\/p>\n La scelta di un testo, per esempio da parte di un regista, \u00e8 credo legata anche da motivazioni misteriose, talmente intime da essere ignote a volte anche a lui stesso. Vi sono per\u00f2, per quanto mi riguarda, anche delle motivazioni pi\u00f9 evidenti e riconoscibili. La cosa che a me pare forse pi\u00f9 importante \u00e8 percepire il rapporto che ha un testo col teatro, nella sua pratica e non nella sua teoria. Direi che per me il testo pur essendo un opera letteraria dovrebbe apparirlo il meno possibile. Pi\u00f9 che la qualit\u00e0 della scrittura dovrei sentire la \u201cvoce\u201d, quasi una sua naturale intonazione. Come se quello che fosse stato scritto sulla pagina fosse la trasposizione di un parlato, e il racconto di un accadimento gi\u00e0 avvenuto, di cui il testo \u00e8 la testimonianza e il materiale, da cui ripartire per permettere ad una storia di poter riaccadere.<\/p>\n Ecco mi accorgo scrivendo che la storia \u00e8 per me anche un elemento di grande attrazione. A teatro si narra senza narrare, si narra nel tempo presente degli accadimenti, infatti non mi piacciono in genere i flashback, o le voci fuori campo. Un buon testo credo che sia quello che senza darlo a vedere, piano piano, battuta dopo battuta, ti d\u00e0 una serie di informazioni, a volte ti racconta un antefatto, o ti fa capire le relazioni tra i personaggi, ma tutto sempre nel dialogo, e nell\u2019impressione di una cosa che nasca l\u00ec, per caso o per incidente<\/p>\n Credo che per scrivere bene per il teatro si debba frequentare molto il palcoscenico, e conoscere gli esseri umani. Avere delle emozioni, forse quasi pi\u00f9 che dei pensieri, e sapere sempre che ci\u00f2 che si sta scrivendo andr\u00e0, prima o poi, recitato. Forse ci si dovrebbe immaginare gi\u00e0 una sua rappresentazione, forse scrivere un testo \u00e8 gi\u00e0 un primo atto di regia. Io per esempio un testo che devo portare in scena me lo leggo tante volte, quasi come se alla fine lo avessi scritto io, e credo che il portare a memoria un testo \u00e8 anche una forma di appropriazione da parte di un attore, quasi una riscrittura, il suo diventarne l\u2019autore.<\/p>\n In genere nei testi di drammaturgia contemporanea quello che mi pare mancare \u00e8 proprio una sua teatralit\u00e0, l\u2019essere nato per la scena e non per la lettura. Gi\u00e0 dall\u2019uso della lingua si sente a volte che qualcosa non va, e non mi appare casuale che le cose migliori di quest\u2019anni siano state scritte in dialetti, veri o inventati che siano. Come se la lingua italiana avesse bisogno di una maggiore fisicit\u00e0 e anche musicalit\u00e0, avesse bisogno di una storia, una storia antica che si \u00e8 conservata nel corpo, e che solo i dialetti in Italia hanno.<\/p>\n Mi sembra una buona idea, per un nuovo premio di drammaturgia, quella d\u2019 insistere molto su la trasposizione scenica dei testi, sia attraverso laboratori, che letture, che vere e proprie messe in scena.<\/p>\n Penso ad analoghe esperienze, come il premio <\/span>ExtraCandone<\/i><\/span>, dove per\u00f2 accanto ad una rete distributiva piuttosto ampia non mi sembra che ci sia stata, almeno finora, un altrettanto felice scelta dei testi.<\/span><\/p>\n Mi sembra poi che una politica della committenza, con tempi troppo rapidi, a volte a scrittori che non hanno mai scritto per il teatro, non sia un esperienza che porti grandi frutti, e mi riferisco ai progetti di drammaturgia del <\/span>Napoli Teatro Festival<\/i><\/span>.<\/span><\/p>\n Mi auguro che per questo premio si possa contare su qualche prodotto di qualit\u00e0, poich\u00e9 non credo che la drammaturgia contemporanea vada sostenuta a prescindere. E\u2019 indubbio che essa ha delle difficolt\u00e0 di giro enormi, data anche la stragrande pigrizia, aggiunta a codardia, dei nostri distributori e programmatori.<\/p>\n Mi piacerebbe che questo nuovo premio servisse, soprattutto, a mettere in contatto dei bravi scrittori con la particolare e non facile arte del teatro, per avere dei testi, in futuro, che siano l\u2019espressione di un gruppo di persone che lavorano insieme, o magari di una felice intesa sul campo tra un regista ed un autore. Perch\u00e9 un autore di testi non pu\u00f2 scrivere per il teatro senza avere un idea di teatro, del suo teatro o di quello di qualcun altro.<\/p>\n Ti abbraccio e auguro a te e agli altri giurati un buon lavoro.<\/p>\n Saluti da Udine<\/p>\n Arturo<\/p>\n Di<\/span> Andrea Porcheddu<\/i><\/span><\/p>\n Quel che affascina, di questo incontro, \u00e8 contenuto nel titolo creato da Werner e Lea. \u201cIl centro del discorso\u201d. Perch\u00e9 insita vi \u00e8 una sfida, ossia trovare quel \u201ccentro\u201d, o \u2013 come avrebbe detto un critico come Adriano Tilgher, il problema centrale. Poi, e conseguentemente, si tratta di non perdere di vista il \u201cdiscorso\u201d, ossia il dialogo, ovvero ancora quell\u2019arte in via di sparizione che \u00e8 la capacit\u00e0 non solo di parlare (del mondo e di s\u00e9 attraverso lo strumento privilegiato della parola), ma di ascoltare. Allora dobbiamo focalizzare il nostro obiettivo all\u2019interno del discorso. Ma dobbiamo attivare, al tempo stesso, una metanarrazione: ossia cogliere l\u2019oggetto del discorso. Che \u00e8 la drammaturgia (c\u00f2lta qui in forma di progetto e futuro premio): ossia il testo scritto per il teatro.<\/p>\n Jean Paul Sartre fu candidamente categorico: <\/span>Il faut \u00e9crire<\/i><\/span>. Bisogna scrivere. Lo ricorda Nicola Chiaromonte in un bel saggio dedicato alla drammaturgia italiana. Ma, segnala il critico, per il teatro non basta. A teatro \u00ab\u00e8 la parola parlata che conta\u00bb. Lo scritto torna alla sua origine e alla sua funzione primordiale. In teatro riacquista, come in uno specchio magico, il corpo, il gesto, le circostanze, l\u2019urto vivo degli affetti e dei pensieri.<\/span><\/p>\n Pi\u00f9 o meno negli stessi anni (lo scritto di Chiaromonte \u00e8 del 1962), anche Roland Barthes parlava del \u201cpiacere del testo\u201d. Ma al culmine di una impressionante e analitica vivisezione del testo pone un elemento contraddittorio: la \u00abgrana della voce\u00bb. Un elemento variabile, imprendibile, soggettivo, caldo, colorato. La parola scritta del testo, per essere effettivamente piacere, deve attingere alla \u00abgrana della voce\u00bb, non pu\u00f2 prescindere da quella che i retori latini chiamavano \u201cactio\u201d.<\/p>\n In teatro il centro del discorso \u00e8 dunque il testo scritto nella sua inesorabile e necessaria forma orale. Ortega y Gasset afferma che il libro \u00e8 \u00abun dire pietrificato\u00bb, mentre il dialogo (emissione\/ascolto, quindi necessario incontro con l\u2019Altro da s\u00e9) \u00e8 vivo e personale, \u00e8 ritmo e presenza, desiderio e intenzione: la grana della voce.<\/p>\n Ma resta l\u2019imperativo sartriano. Bisogna scrivere. Il teatro che perde la parola \u00e8 come un popolo che perde la parola. Enzo Buttitta, nella forza carnosa del suo dialetto, ce lo ricorda: un popolo \u00e8 ricco anche se messo alla catena, se \u00e8 spogliato, sfruttato, senza lavoro. Ma quel popolo diventa povero e servo quando \u00abgli rubano la lingua e le parole. Quando le parole non figliano parole\u00bb. Abbiamo costante bisogno di una drammaturgia. Di un discorso che sia al centro del teatro.<\/p>\n E per\u00f2 non possiamo non registrare delle contraddizioni: affrontiamo, qui, l\u2019ipotesi di un nuovo premio alla scrittura. L\u2019Italia \u00e8 piena di premi di drammaturgia, ed \u00e8 piena di autori teatrali. Ce ne sono tanti, tantissimi. Possiamo citare i migliori: Tarantino, Moresco, Scarpa, Paravidino, Chiti, Cavosi, Gabrielli, Trevisan, Emma Dante, Martinelli, Moscato, Letizia Russo, cui possiamo affiancare Franceschi, Celestini, La Ruina, Giuseppe Montesano, e ancora Mimmo Borrelli e Stefano Massini. Sono solo alcuni nomi, se ne possono fare ancora altri. E allora perch\u00e9 continuiamo ad inseguire l\u2019autore? Non bastano questi? Sono tanti. Basterebbe metterli in scena, forse<\/p>\n Il problema, allora, \u00e8 che l\u2019Italia ha molti drammaturghi ma non ha una drammaturgia. Ha molte lingue (anche teatrali) ma raramente queste si trasformano in una lingua che sappia parlare. Ha molti testi, ma non sono o non diventano teatro.<\/p>\n Ha molte parole, ma non figliano parole.<\/p>\n CONSIDERAZIONI SU QUELLA CHE VIENE DEFINITA<\/b><\/p>\n \u201cLA NUOVA DRAMMATURGIA\u201d<\/b><\/span><\/p>\n Di<\/span> Antonio Tarantino<\/i><\/span><\/p>\n Fino all\u2019inizio degli anni novanta i critici, i registi, gli attori e la gente di teatro in genere non avevano molta fiducia in quanti si applicassero alla scrittura di testi. Questo perch\u00e9 gli autori erano considerati, innanzitutto e perlopi\u00f9, scrittori di altre discipline, per esempio narratori ma non solo, prestati alla drammaturgia. Insomma, gente di buona volont\u00e0 che si era preso l\u2019impegno di accompagnare all\u2019ultima dimora un\u2019antichissima arte ormai moribonda.<\/p>\n Ma di l\u00ec a poco ci si sarebbe dovuti ricredere dinnanzi al fiorire di una leva di giovani talenti i quali, senza particolari timori reverenziali, venivano considerando la scrittura drammaturgica una possibilit\u00e0 accanto alle altre offerte dall\u2019arte nelle sue varie declinazioni e nei suoi molti modi. L\u2019arte drammatica era tornata a essere un aspetto della prassi, un\u2019attivit\u00e0 praticabile.<\/p>\n Ma cosa era accaduto di tanto speciale affinch\u00e8 un tratto dello spirito umano che sembrava essersi eclissato potesse invece riapparire e manifestarsi?<\/p>\n A mio parere non era accaduto niente: si trattava di una di quelle periodiche ricorrenze che vanno rubricate come corsi e ricorsi storici.<\/p>\n Stando all\u2019autorit\u00e0 del grande critico delle numerose forme letterarie che si chiama Northrop Frye e che ha analizzato ed esposto le sue ricerche in un saggio intitolato: \u201cAnatomia della critica\u201d edito da Einaudi, nel corso dei secoli e dei millenni, quella che per intenderci chiameremo \u201cpoesia drammatica\u201d giustapposta alla poesia lirica all\u2019epica e alle forme narrative, appare di tempo in tempo per poi declinare fino e scomparire quasi del tutto in virt\u00f9 (o in mancanza) di elementi \u201cfertilizzanti\u201d presenti nelle varie societ\u00e0: elementi forti, fattori storici singolari e importanti che hanno pi\u00f9 o meno la valenza di effervescenze, se non proprio di moti, rivoluzionari. In tali occasioni una \u201ccrisi2 di una qualsiasi natura spinge la societ\u00e0 nella quale si manifesta ad aprire un dialogo con se stessa e a ritrovare, per questa via, i cittadini di una polis ai quali pi\u00f9 nessuno si era rivolto da un palcoscenico.<\/p>\n Va da s\u00e9 che questo genere letterario, stando cos\u00ec le cose, finisce con l\u2019acquistare fiducia nei propri mezzi. Almeno sino a quando una nuova eclissi lo priver\u00e0 della forza, di quella forza che sostiene \u2013 dopo averla generata \u2013 la presunzione di rappresentare il proprio mondo.<\/p>\n La pratica della scrittura teatrale, intesa in senso forte, \u00e8 quindi un fenomeno transeunte. Bisogner\u00e0 quindi vedere con favore il nascere di un concorso di drammaturgia \u2013 specialmente se rivolto ai giovani \u2013 affinch\u00e9 questo momento storico che vede una fioritura di validi testi teatrali non si esaurisca in breve tempo ma, al contrario, si protragga il pi\u00f9 possibile.<\/p>\n Sempre che le Istituzioni abbiano il senso del futuro.<\/p>\n \u201cIL CENTRO DEL DISCORSO\u201d<\/b><\/span><\/p>\n Di<\/span> Clarissa Veronico<\/i><\/span><\/p>\n Inavvertitamente \u00e8 comparso nel vocabolario comune degli operatori teatrali il termine \u201cfunziona\u201d, chiave di collegamento con il mercato, chiave di accesso e messa in opera di un prodotto che diversamente non potrebbe diventare parte di un meccanismo, non potrebbe cio\u00e8 accedere proprio a quel fine relazionale e di visibilit\u00e0 che ne motiva l\u2019esistenza. Con il termine \u201cfunziona\u201d si \u00e8 finito per indicare sia la compiutezza drammaturgica e registica di uno spettacolo, sia la sua funzionalit\u00e0, ovvero, quale segmento del mercato dell\u2019arte pu\u00f2 occupare, a quali bisogni pu\u00f2 rispondere e quali bisogni pu\u00f2 indurre. La riconversione del teatro d\u2019impresa in impresa teatrale ha fatto s\u00ec che alcuni \u201ccapi assoluti\u201d, utili strumenti del linguaggio per comunicare l\u2019indecifrabilit\u00e0 vitale dello spettacolo dal vivo, divenissero parametri, attestassero cio\u00e8 non pi\u00f9 la singolarit\u00e0 e unicit\u00e0 di un processo artistico, ma l\u2019identit\u00e0, dichiarativa e determinata, del prodotto da vendere.<\/p>\n La sfida dentro la quale si \u00e8 trovato a dibattere il teatro d\u2019impresa \u00e8 di natura filosofico-economica, perch\u00e9 quanto richiesto per rimanere teatro d\u2019arte \u00e8 perseguire il carattere di singolarit\u00e0 e individualit\u00e0, quanto richiesto per poter essere impresa teatrale \u00e8 testimoniare l\u2019identit\u00e0 nel suo valore non gi\u00e0 di cifra connotativa ma di identificazione.<\/p>\n Dentro il gioco di questa sfida si genera la differenza tra merce e prodotto, ma ancor di pi\u00f9 si gioca il senso stesso del fare arte, resistere a un\u2019omologazione di forme e contenuti che equivocano lo stile con la maniera, resistere all\u2019interpretazione del ruolo dell\u2019intellettuale e dell\u2019artista come mediatore e interprete della realt\u00e0 razionale per cercare di concepirlo piuttosto come il prefiguratore di una realt\u00e0 differente, di una visione sempre altra, sempre inedita di un reale non razionale, resistere infine a considerare gli spettatori unicamente come \u201cpubblico\u201d.<\/p>\n Identificare uno spettacolo come un\u2019azione funzionante, come latore di una chiave di accesso alla relazione con gli spettatori, che in termini aziendali significa alla collocazione sul mercato, alla vendibilit\u00e0, \u00e8 intimamente legato all\u2019idea che conosciamo gli altri della nostra relazione. Sappiamo chi sono, dove possiamo trovarli, cosa vogliono. I nostri altri sono diventati una categoria, il cliente a cui ci riferiamo. Quanto di liquido appartiene all\u2019incontro con un altro essere umano, inafferrabile e fluido, ci rimane tra le mani come un conduttore di certezze, solido come una strategia di marketing. E delle cose solide si pu\u00f2 dire che quando si immergono in un liquido, che affondino o galleggino, tendenzialmente spostano materia, pi\u00f9 difficilmente creano soluzioni.<\/p>\n Con ci\u00f2 il marketing esiste,<\/span> eppure gli spettatori non sono una categoria.<\/span><\/p>\n Il teatro, quale luogo della relazione tra attore e spettatore in un determinato tempo e spazio, poggia il suo equilibrio e il suo stesso senso nella coesistenza delle sue variabili, nella mutevolezza del farsi azione, non di esserlo gi\u00e0. La definizione pur di una sola variabile ne invalida la struttura. Nell\u2019equilibrio misterioso della vita che \u00e8 capace di nascere dalla relazione tra esseri umani presenti a se stessi e all\u2019altro, se uno solo degli elementi che permettono tale vita si trasforma in dato scientifico, l\u2019intera struttura si trasforma in sequenza di dati, l\u2019arte si trasforma in equazione matematica risolvibile. Se considerati una chiave d\u2019accesso gli spettatori si sottraggono e con loro l\u2019idea di mercato, che rimane altrove, nella nozione di un tutto comunicato dove il teatro occupa il posto dell\u2019incomunicabile.<\/p>\n \u201cN\u00e9 un Dio, n\u00e9 un\u2019idea potranno salvarci ma solo una relazione vitale\u201d: stralci di conversazioni e letture affiorano in questo viaggio, amori talmente profondi da emergere nei contesti meno aspettati. Se \u00e8 la relazione vitale l\u2019unica risposta in questo mare pieno di scogli, l\u2019unica salvezza dagli assalti cos\u00ec sottili di un mercato comunque povero e al quale non ci si pu\u00f2 sottrarre, allora la prima relazione \u00e8 con se stessi. Con quel s\u00e9 artista, organizzatore o spettatore che si sia.<\/span><\/p>\n Una relazione talmente profonda e aperta verso s\u00e9 che lo diventi inevitabilmente verso l\u2019altro. Che lo diventi necessariamente. Non per un\u2019idea di bene per l\u2019accrescimento collettivo n\u00e9 per quella di patrimonio culturale. Necessario come la vita a cui ogni essere vivente tende.<\/p>\n L\u2019unico possibile mercato di un prodotto che non pu\u00f2 essere merce \u00e8 nel valore dell\u2019azione produttiva, quotidiana, reiterabile ma non ripetibile. L\u2019unico equilibrio tra sostanza solida e sostanza liquida \u00e8 nel passaggio del cambiamento di stato, nel sentirsi<\/span>liquefatti<\/span>.<\/span><\/p>\n \u201cIL CENTRO DEL DISCORSO\u201d<\/b><\/span><\/p>\n \u201cTutte le parole che esistono innescano delle aspettative<\/i><\/span>\u201d Tiziano Scarpa<\/span><\/p>\n \u201cPassando la nostra esistenza dal presente al passato, si<\/i><\/span><\/p>\n diventa, al passato, ci\u00f2 che non si era, al presente<\/i><\/span>\u201d<\/span><\/p>\n Vitaliano Trevisan<\/span><\/p>\n Di<\/span> Fabrizio Parenti<\/i><\/span>\u2013 Milano11\/08<\/span><\/p>\n Ho passato nella mia vita la stessa quantit\u00e0 di tempo sia a vivere il mio presente sia a riflettere su cosa rappresentasse. Questo perch\u00e8, in fondo, non credo possiamo davvero pensare che l\u2019essere umano sia capace di cambiare tanto da trovare unicit\u00e0 in un tempo qualsiasi tale da distinguerlo da quelli precedenti o successivi ma credo che la particolarit\u00e0 di tutti i presenti sia nel loro rappresentarsi, nella maniera in cui si manifestano le forme, le mode e,naturalmente, i sentimenti che da sempre fanno parte della nostra natura e che ogni volta,mostrandosi meravigliosamente collegati alla nostra vita quotidiana, ti danno la sensazione di essere il primo a capire VERAMENTE un quadro, un libro o semplicemente a provare un emozione. Probabilmente solo per evitare la trista percezione della ripetitivit\u00e0 delle nostre esistenze che,tanto per iniziare a parlare un po\u2019 di teatro,assomigliano alle repliche di un musical di successo (Notre dame de Paris?Rocky horror pictures show ? mah !?) in cui cambiano gli interpreti di anno in anno ma non lo spettacolo<\/p>\n Dunque credo che quando si parla di contemporaneo bisogna considerarne la percezione quanto la composizione. E dunque, come si manifesta il nostro hic et nunc, e, sopratutto, come lo manifestiamo facendo teatro? In particolare, teatro di parola ?<\/p>\n Ho visto recentemente tre spettacoli di tre compagniedi et\u00e0 diversa che mi hanno colpito per ragioni diverse. Non so se farne i titoli, vorrei usarli come come esempio neutro,almeno per ora. Due erano di un et\u00e0 considerata teatralmente molto giovane ma che biologicamente non lo \u00e8, i trenta anni, ed erano scritture degli stessi interpreti. Anche il terzo spettacolo era scritto da gli interpreti,questa volta per\u00f2 di un et\u00e0 pi\u00f9 avanzata. La prima impressione \u00e8 quella di una totale separazione dei linguaggi, come se non si usasse la stessa lingua. Sotto una certa et\u00e0 l\u2019uso di alcune parole non appartenenti direttamente al presente, il riferimento ad ogni tipo di teatro che non sia stato visto il giorno prima sono inesistenti. Sono gruppi nati ieri,anzi stamattina, dove l\u2019idea non di appartenere ma neanche di confrontarsi con un canone \u00e8 impossibile, perch\u00e8 il canone non \u00e8 neanche previsto possa esistere. In compenso esiste la moda, la tendenza ,e infatti ci sono elementi che immediatamente fanno comunity, rendono identificabili gli interpreti agli spettatori e viceversa, come se servisse una passeword generazionale per poter partecipare in qualsiasi modo all\u2019evento in corso (ho usato due parole molto usate negli spettacoli in questione, tanto come assaggio). Questo a prescindere dalla bellezza o dalla qualit\u00e0 dello spettacolo (a mio avviso uno era estremamente brutto, l\u2019altro aveva delle cose interessanti) e anche da l\u2019argomento (anche se tutti e due appartenevano al genere \u201criflessione su la contemporaneit\u00e0\u201d).<\/p>\n Il terzo era di un genere totalmente diverso, si potrebbe definire una antologia di linguaggi teatrali rielaborati e riciclati in perfetto sentimento di appartenenza ad un comune sistema semantico, quello teatrale, dove ogni cosa rimanda ad un\u2019altra. Forse potr\u00e0 sembrare che io,come gusto penda verso quest\u2019ultimo esempio,e potrebbe essere vero, ma non \u00e8 questo il punto;la cosa che vorrei capire \u00e8 se ci stiamo dividendo tra chi fa il teatro con il teatro e chi lo fa senza teatro. In sostanza mi pare di capire che per alcuni il teatro \u00e8 talmente contemporaneo che \u00e8 nato con loro,per loro e che senza di loro \u00e8 destinato a tornare nell\u2019oblio dove miseramente giaceva fino al loro arrivo,mentre per altri \u00e8 un luogo dove trovare nel presente le tracce di passato che servono in questo momento. Va bene, si potr\u00e0 dire che spesso si inizia con l\u2019arroganza del debuttante e poi ci si forma con l\u2019esperienza acquistata sul campo, ma in questo caso sembrerebbe esserci una tale e tanta distanza tra espressivit\u00e0 e sensibilit\u00e0 da impedire ogni tipo di comunicazione.<\/p>\n Che significa? Stiamo andando verso un teatro generazionale, spettacoli diversificati a seconda che il pubblico e gli autori abbiano o no conosciuto precedenti modelli? Non sono mai stato un fautore del teatro come valore ideologico o museale,dell\u2019ortodossia teatrale che prevede cosa e come si faccia uno spettacolo o un autore ma \u00e8, almeno per la mia esperienza, impensabile che non si senta il proprio agire in scena come appartenente ad un sistema che contiene tutto, ma proprio tutto, al suo interno, che mette insieme i Sanzio e Giulio Bosetti, Carmelo Bene e Macario, la tragedia e l\u2019avanspettacolo. Perch\u00e8 solo sentendo questo si evitare le insidie dell\u2019autoreferenzialismo, la mancanza di memoria storica che pu\u00f2 vivere solo attraverso la riproposizione di ci\u00f2 che si \u00e8 visto, sottraendo stili e interpreti alla scomparsa dettata dalla totale incapacit\u00e0 a sapere per chi va oggi in qualsiasi luogo si faccia teatro ci\u00f2 che \u00e8 successo ieri. E la stessa natura dell\u2019esperienza teatrale, cio\u00e8 far parte di una agor\u00e0 che, in determinati luoghi e tempi mette insieme persone tra loro diverse, come fanno religione e politica, per riflettere sul mondo e su i suoi valori\/dolori, non rischia di essere inficiata da queste differenze generazionali-culturali, visto che ne dovrebbero poter far parte tutti?<\/p>\n Vi \u00e8 un altro problema, forse ancora pi\u00f9 profondo, che credo meriti una riflessione:la lingua. L\u2019italiano \u00e8 una lingua bella ma non particolarmente felice n\u00e9 fortunata; parlata poco nel mondo(se non in orribili storpiature da emigrati che sperano cos\u00ec di mantenere un legame con la madre patria), difficile da modernizzare senza banalizzarla, soprattutto inventata dalla televisione in sostituzione dei dialetti,quelli si parlati e compresi con facilit\u00e0 da tutti, dei quali mantiene fondamentalmente tre filoni di inflessione, il romano, il milanese ed il napoletano. Ora, essendo difficile,almeno per il momento, pensare di poter recitare in inglese anche qui (probabilmente il futuro sar\u00e0 questo, magari l\u2019italianglish, magari con il cinese sarebbe anche pi\u00f9 divertente, ma credo ci voglia ancora tempo) penso che in questo momento il problema di che lingua serva in scena \u00e8 drammatico, anche perch\u00e8 ormai si sta raggiungendo il massimo dell\u2019 analfabetismo in qualsiasi conversazione o scrittura nel nostro idioma. Faccio presente che questo pu\u00f2 essere imputabile alla tv, in particolare alla Rai e a Mediaset con le sue De Filippi e Italie 1, a Silvio Berlusconi e alla svalorizzazione della Cultura con la C maiuscola,alla decadenza dei tempi, al calcio o a chi vi pare ma riguarda tutti, anche coloro i quali si stracciano le vesti invocando il ritorno a grandi valori artistici-morali Come si esce da tutto ci\u00f2 (ammesso sia possibile)? Nella mia esperienza di regista ed attore l\u2019unica strada percorsa con un certo successo \u00e8 la ripresa di parole apparentemente morte ed interrate con la naturalezza del quotidiano, come se fossero usate e alla portata di tutti senza alcun problema, insomma normali parole usabili al posto di altre solo perch\u00e8 ti piacciono di pi\u00f9. Questo crea graziosi corto circuiti nel pubblico, tra chi si sente finalmente sottratto alla tirrania del bigino linguistico imperante e chi scopre un mondo nuovo (forse \u00e8 meglio dire vecchio), anche se poi probabilmente non sa bene cosa farci. Ma chi scrive? Che deve fare? I due scrittori citati all\u2019inizio del testo sono due scrittori che amo molto, anche come drammaturghi. La loro scrittura \u00e8 diversa, ma credo che rappresenti due vie di fuga possibili da questo problema; Scarpa scrive come uno scrittore consapevolmente colto, che sa usare come gli pare quello che conosce in merito a stili e riferimenti e che quindi si pu\u00f2 permettere ogni tipo di eccesso o spericolatezza linguistica con la serenit\u00e0 di chi ha saputo come e quando farlo ottenendo cos\u00ec splendi momenti di profondit\u00e0 e di stupore. Trevisan ha un ritmo ed un vocabolario quasi biologico, massicci e incandescenti insieme, che tolgono alle parole ogni tipo di speranza oltre a quella di rendere per un brevissimo tempo la realt\u00e0 raccontabile, accosta ad un italiano tecnico, quasi da istruzioni per l\u2019uso del mondo, un dialetto raro e umiliato nella sua provincialit\u00e0; e l\u2019ossesivit\u00e0 che ne scaturisce sembra essere il rumore del vuoto che riempie tutto e tutti,anche se avviene con grande ironia,per\u00f2. Entrambi anche come autori teatrali si mantengono fedeli a se stessi e hanno esperienza da attori, perci\u00f2 sono perfettamente consapevoli della differenza tra parola scritta e detta. Esempi possibili ?<\/p>\n Improvisamente sto provando la sensazione di essere Eugenio Scalfari mentre scrive l\u2019editoriale domenicale per la Repubblica, e, con tutto il rispetto, non \u00e8 una bella sensazione, quindi tendo a terminare ,anche se mi rendo conto non abbia parlato del teatro di narrazione, altra piaga corrente al pari del HIV o della riapparsa, tubercolosi, che mette insieme paleolismo teatrale e avidit\u00e0 dei produttori, non abbia parlato della rapporto che abbiamo con l\u2019immagine e,soprattutto, di quello che l\u2019immagine ha con noi, ma tant\u2019\u00e8, ne sono sicuro ne avr\u00e0 parlato qualcun altro,probabilmente meglio di me. Mi limito a dire che forse l\u2019unico rapporto possibile con il contemporaneo \u00e8 racchiuso in una parola antica ma sempre nuova, comprensibile anche in molte forme dialettali: fregarsene. Fregarsene di capirlo troppo questo nostro tempo, perch\u00e8 \u00e8 fatto di tanti tempi gi\u00e0 visti ,perch\u00e8 presto ne seguir\u00e0 un altro, perche solo quando sar\u00e0 concluso lo riconosceremo; fregarsene di voler essere troppo come si pensa di dover essere per non apparire fuori luogo o obsoleti; ma, da esseri umani prima che da artisti, ascoltare tutto quello che esiste, vivo o morto che sia, dentro e fuori di noi, e cercare di usarlo quando qualcosa gli assomiglia, quando abbiamo bisogno di un esempio preciso per descrivere quello che accade, perch\u00e8 solo cos\u00ec si \u00e8 contemporaneamente contemporanei a tutti i presenti possibili, solo cos\u00ec ci si sente tra il passato e il futuro, il morto e il non ancora nato, che forse \u00e8 l\u2019unica verit\u00e0 del presente.<\/span><\/p>\n \u201cIL CENTRO DEL DISCORSO\u201d<\/b><\/span><\/p>\n Di Francesco Farina<\/i><\/p>\n Werner carissimo,<\/p>\n infine mi ritrovo ad esprimermi nella forma scritta che \u00e8 per\u00f2 forse quella a me pi\u00f9 congeniale e scelgo te come interlocutore (con un escamotage che, restando in tema, potremmo definire drammaturgico) perch\u00e9 il contenuto epistolare meglio si adatta ad una comunicazione confidenziale, quale vorrei fosse questa mia.<\/p>\n In fondo, ho sempre pensato che la scrittura teatrale subisse le sorti analoghe di una lettera: uno scritto concepito per un unico destinatario che, grazie alla magia della scena, trova il modo di trasformarsi in un rito collettivo.<\/p>\n Ed \u00e8 probabilmente proprio questo il punto di partenza, il centro del discorso<\/i>.<\/p>\n Mi rendo conto che in un\u2019epoca come la nostra, in cui la priorit\u00e0 di raggiungere il maggior numero di destinatari possibili \u00e8 anteposta al valore intrinseco della comunicazione, il senso di una lettera possa risultare considerevolmente sminuito.<\/p>\n E tuttavia non ho mai pensato che il teatro possa essere considerato uno strumento di comunicazione allargata (stavo per scrivere \u201cdi massa\u201d): collettivo, certamente, ma comunque ridimensionato ad una quantit\u00e0 che pu\u00f2 essere contenuta nella panoramica di un unico sguardo.<\/p>\n Il teatro, in definitiva, non potr\u00e0 mai avere la stessa destinazione di altri mezzi. Il che costituisce il suo limite ma anche la sua forza.<\/p>\n Cercare di manometterne la natura fino a costringerlo a somigliare a ci\u00f2 che non \u00e8, mi pare la pi\u00f9 diffusa delle aberrazioni contemporanee, cui pure sembrano volersi assoggettare quanti oggi del teatro continuano a fare il proprio mestiere (ma \u00e8 davvero un mestiere<\/i>?).<\/p>\n Ieri ho sentito parlare di fabbrichette teatrali dove si assemblano spettacolini non a pianta centrale e con un massimo di cinque attori.<\/p>\n Che tristezza.<\/p>\n Mi son ritrovato ad immaginare questi prodotti inscatolati in una pratica confezione, pronti ad essere distribuiti sul mercato\u2026<\/p>\n Francamente, penso che il centro del discorso<\/i> sia altrove. Un altrove che \u00e8 inutile cercare nelle facili illusioni degli articoli in offerta speciale, cos\u00ec spesso messi in vetrina dai cartelloni dei nostri teatri (pi\u00f9 o meno prestigiosi) nel tentativo di fare accorrere una cospicua fetta di pubblico, magari sottraendola alla torta del teatro pi\u00f9 vicino.<\/p>\n Giocata sulle regole del mercato, io credo, la partita \u00e8 persa in partenza. E non solo la partita del teatro, peraltro, come sta diventando sempre pi\u00f9 evidente ormai nella cultura occidentale, dove il consumismo mostra ogni giorno di pi\u00f9 la sua inadeguatezza nel soddisfare i bisogni umani.<\/p>\n Se c\u2019\u00e8 una strada da percorrere, non pu\u00f2 che essere quella interiore. Guardarsi dentro \u00e8 sicuramente illuminante, soprattutto quando fuori regna il caos.<\/p>\n E non \u00e8 certo facile dare ascolto a questo altrove<\/i>, assopito e dimenticato in qualche sottoscala della nostra coscienza, strattonata e messa a tacere dal clangore del sopravvivere contemporaneo.<\/p>\n Ma son sicuro che \u00e8 da l\u00ec che sia necessario ripartire: non dal passato, n\u00e9 dal presente, n\u00e9 dal futuro. Perch\u00e9, in un modo che non so spiegare, il passato, il presente ed il futuro sono gi\u00e0 dentro di noi e aspettano solo di essere riconosciuti.<\/p>\n Insomma, caro Werner, credo che la possibile strada da percorrere sia analoga a quella di questo mio scritto che io ho destinato a te, non avendo la certezza della tua risoluzione finale di condividerlo. Ma, se lo stai facendo, hai gi\u00e0 messo in moto un meccanismo antico come il mondo che, indipendentemente dai consensi e dalle disapprovazioni, pu\u00f2 arrivare a rendere partecipigli altri<\/i> delle riflessioni di chi \u2013 in pigiama e davanti ad una tastiera \u2013 sta cercando di superare un\u2019indisposizione temporanea.<\/p>\n Dopotutto chi sceglie di esprimersi attraverso il teatro non lo fa in una condizione molto differente.<\/p>\n A presto, spero.<\/p>\n Francesco Farina<\/p>\n IL PROGETTO \u201cVIETATO PARLARE DELL\u2019AURORA\u201d<\/b><\/p>\n PER IL KILOWATT FESTIVAL 2009,<\/b><\/p>\n A SANSEPOLCRO (AR)<\/b><\/p>\n